Conférence de mariam benbakkar : Itinéraire d’un CON-teneur (Street and Seaview Conference); Lecture de Nouria Behloul : Chants Fantômes, Champs Fantômes ; conversation avec Seloua Luste Boulbina une proposition autour de l'exposition Ses racines s'étendent jusqu'à 7000km Conférence de mariam benbakkar : Itinéraire d’un CON-teneur (Street and Seaview Conference) « Où l’on suivra ensemble un navire de la CMA CGM dans sa route sur le globe terre jusqu’à nous. » Franco-marocaine née à Toulouse et élevée en Auvergne, mariam benbakkar est une photographe, vidéaste, autrice, performeuse et curatrice.
 Depuis son arrivée à Marseille il y a 11 ans, elle s’est passionnée pour Marseille et s’est plongée dans les archives afin d’en proposer des visites décoloniales depuis 2 ans.
 Elle est la co-fondatrice du collectif Filles de Blédards, avec lequel elle organise depuis 2018 des événements avec des artistes émergent·e·s autour des imaginaires post-coloniaux.
 Elle co-écrit depuis trois ans avec la chaîne Histoires Crépues les émissions « On Discute ! » : des débats mouvants, avec des anonymes, autour des questions politiques de racisme et discriminations en France.
 Elle aime travailler en intelligence avec d’autres artistes, penseur·euse·s, poètes et militant·e·s autour des questions de l’héritage colonial en France. L’idée étant que sa promotion et sa connaissance grandissent afin qu’il devienne un sujet incontournable dans le débat public et la prise de décisions politiques. Lecture de Nouria Behloul : Chants Fantômes, Champs Fantômes. Aux côtés du film Chants Fantômes (projeté à la compagnie le 29.08) , et de l’installation Champs Fantômes (présentée dans l’exposition Ses racines s’étendent jusqu’à 7000km) se trouve un troisième volet de cette recherche récente de Nouria Behloul : une forme textuelle qu’elle lira ce soir.Nouria Behloul explore les traces de la violence coloniale et impériale dans les corps (corps charnel, corps social et corps spatial) et les relations entre ces corps. Elle explore la poétique et la politique des structures sociales. Son travail comprend aussi bien textes, recherches, performances et curation. Elle a été présentée internationalement dans divers contextes. Depuis 2021 elle vit à Marseille où elle a dirigé la librairie Semiotext(e) Marseille et sa progra-mmation jusqu’en mars 2024. Elle est lauréate du programme Mécènes du sud 23/24 et du programme de résidence 24 de la Fondation Jan Michalski. Conversation avec Seloua Luste Boulbina, philosophe et politiste Seloua Luste Boulbina est philosophe et politiste, actuellement chercheuse associée (HDR) au Laboratoire de changement politique et social (LCSP) de l’université Paris Cité. Directrice de programme au Collège International de philosophie (2010-2016), elle a travaillé sur la décolonisation des savoirs. Chargée de séminaire (2005-2008), elle y a mené une étude sur l’articulation colonie-postcolonie. La dimension internationale et transdisciplinaire est une caractéristique de sa recherche qui porte, principalement, sur la consistance du concept de décolonisation et les vecteurs de son effectuation, arts, littérature, philosophie en particulier. Sa visée est de transformer non seulement les discours mais les langages, dans des textes qui peuvent relever de la "philosophie documentaire » comme dans Alger-Tokyo, des émissaires de l’anticolonialisme en Asie (les presses du réel, 2022) ou de la « philosophie buissonnière » comme dans Sortir de terre, Une philosophie du végétal (Jimsaan 2024/Zulma, 2025). Elle a dirigé et est l’autrice de nombreux ouvrages, notamment Les Miroirs vagabonds ou la décolonisation des savoirs (arts, littérature, philosophie), les presses du réel, 2016 ou Malaise dans la décolonisation, Terres éparses et îles noires, les presses du réel, 2025. Kafka’s Monkey and others Phantoms of Africa (Indiana University Press, 2019) a reçu un French Voices Award et Grands Travaux à Paris (La Dispute, 2007) a été finaliste du Prix du livre d’architecture. Elle a également écrit sur des photographes et des artistes, comme pour Algérie Indépendance, photographies de Marc Riboud, Le Bec en l’air, 2009. Son dernier texte pour un catalogue d’exposition porte sur « Tétanos » de l’artiste tunisienne Aïcha Snoussi au 32bis à Tunis (hiver 2025-2026) et s’intitule « Machines désirantes et lignes de vies ».

Ses racines : mais de quel arbre, de quel végétal ?Jusqu’à 7000 km : et pourquoi pas plus près, ou plus loin ? Et pourquoi pas plutôt ici ou là? Les puissances du vivant et de la création relient donc, au sein même du cosmos, différents endroits de la Méditerranée, Palestine, Algérie, Maroc, France, qui retentissent comme des constellations puissantes, historiques, culturelles, avec le monde et l’univers. Comment renvoyer le monde à l’espoir et à des rêves pour demain, sinon par un murmure incessant, par des racines aux prolongements imprévisibles, pour raconter l’inentendu des histoires coloniales passées ou présentes, pour insuffler de la vie, pour raccommoder ce qui dans le monde « fout le camp » (Sony Labou Tansi)? Il s’agira de célébrer ici le tourbillon des mouvements invisibles des racines, la précision de leurs audaces, de se relier à leur puissance de soin, de réparation, d’utopie.

Evénement en lien avec l’exposition Ses racines s’étendent jusqu’à 7000km. 29 août 19h Projection de Chants Fantômes de Nouria Behloul, 2026, 59’ Ce film-poème est composé de fragments visuels et sonores où paysages, gestes du quotidien et chants distordus tissent un inventaire de la perte. Entre silence et vertige, le passé affleure. Douleur, résistance et beauté persistent dans les absences creusées par le fait colonial. réalisé avec le soutien de Mécènes du Sud — Dans sa pratique interdisciplinaire Nouria Behloul, diplômée de l’University of Applied Arts Vienna en 2015, explore la poétique et la politique des structures sociales. Son travail va du texte à la traduction en passant par la recherche, la cuisine, le commissariat d’exposition et l’édition. Elle travaille également dans des constellations collectives. Son travail a été présenté dans divers contextes, récemment à la GAK de Brême avec son exposition […] les murs se sont mis à parler (2022). En 2021, son livre Poetry is the only way out of here a été publié par Bom Dia Books. Elle publie régulièrement sous différents formats. Dernièrement elle a cotraduit Deux secondes d’air qui brûle de Diaty Diallo en allemand. Elle a aussi été commissaire de la librairie Semiotext(e) Marseille, dont elle a dirigé aussi le programme culturel.

Evénement en lien avec l’exposition Ses racines s’étendent jusqu’à 7000km.dans le cadre de la Saison Méditerranée de l’Institut Français sous le commissariat général de Julie Kretschmar ✻ Projections à l’occasion du finissage : avec Driss Aroussi, Hassen Ferhani, Serge Le Squer, Elsa Ledoux, Saber Zemouri Détails de la programmation à venir bientôt

Atelier Nous portons les terres brûlées dans nos os, et d’os est construite la ville, avec Nouria Behloul une proposition en lien avec l’exposition Ses racines s’étendent jusqu’à 7000km. Comment l’espace que nous habitons ensemble est-il présent dans nos corps?Comment utiliser nos cicatrices pour naviguer sur des terrains hostiles?Atelier de mise en lien des corps, cartographie collective de la Porte d’Aix.–10h-12h // 12h-14h cuisiner ensemble // 14h-16h–Ouvert à toustess’inscrire pour la journée sur mediation@la-compagnie.org —Nouria Behloul explore la poétique et la politique des structures sociales. Son travail comprend aussi bien textes, recherches, performances et curation. Elle a été présentée internationalement dans divers contextes. Depuis 2021 elle vit à Marseille où elle a dirigé la librairie Semiotext(e) Marseille et sa progra-mmation jusqu’en mars 2024. Elle est lauréate du programme Mécènes du sud 23/24 et du programme de résidence 24 de la Fondation Jan Michalski.

24.10 20h30 * Projection de Géographies de Chaghig Arzoumanian et conversation entre la réalisatrice et Rasha Salti(cette projection fera suite à la présentation de la performance scénique Elegie d’une disparition: de 19h à 20h à la Friche Belle de Mai) Géographies de Chaghig Arzoumanian, 2015, Liban, 72 minutes en arménienChaghig Arzoumanian a 27 ans, mais elle pourrait en avoir mille : en voix off, elle prend personnellement en charge le passé de sa famille, la sédimentation de prénoms, de récits, de trajets et de photographies qui lui en a été transmis par bribes, on-dit, anecdotes. Sa généalogie arménienne, qui prend des proportions mythiques, est réinscrite dans les paysages d’aujourd’hui. « Les ruines ont fusionné avec la terre », entend-on de la plaine d’Anatolie que ses grands-parents ont quitté enfants au début du génocide arménien. Mais la cinéaste découvre d’autres exils sous cet exil, plus anciens, dont elle incruste les fantômes dans le présent – familles persécutées pendant le sultanat au seizième siècle, enfants épargnés en 1915 par la chance d’une circoncision médicale, tête coupée d’un époux découverte par sa femme. Cette violence historique a pour contrepoint l’éclat intime, chaleureusement familial, d’histoires plus récentes. L’abstraction topographique cède sous le récit familial, un homme fabrique trois barques avec une orange; des fruits poussent en surimpression sur un champ stérile. De l’Anatolie, l’exil a mené à Beyrouth, où Chaghig Arzoumanian est née, mais une branche de la famille a bifurqué au Caire, à Damas, Jaffa… La carte devient tapisserie aux couleurs et aux motifs multiples, changeants – une épopée tissée de fils individuels. (Charlotte Garson)Chaghig Arzoumanian vit et travaille au Liban et en France. Ses grands-parents avaient quitté enfants leur village natal de Burunkisla pendant le génocide arménien de 1915. Elle est née à Beyrouth en 1988 et travaille actuellement entre Paris et Beyrouth. Elle est diplômée de l’Université de Paris VIII, titulaire d’une double maîtrise en cinéma et de valorisation du patrimoine cinématographique et a été formée à la restauration du film au laboratoire portugais d’archives de films (ANIM). Elle a dirigé plusieurs courts métrages et un moyen métrage : Au retour des marées. Geographies est son premier long métrage. Elle a co-monté en 2013 le documentaire E-muet dirigé par Corine Shawi et qui a été programmé en avant-première au FID Marseille.Rasha Salti est chercheuse, écrivaine et curatrice d’art et de cinéma. Elle a été programmatrice au Festival du film international de Toronto (2011-2016) et depuis 2017, elle est chargée de programme à l’Unité Société et Culture à Arte France pour La Lucarne. Elle a été co-commissaire de Mapping Subjectivity: Experimentation in Arab Cinema from the 1960s until Now, avec Jytte Jensen (MoMA New York, 2010-2012).Elle était l’une des commissaires de la 10e Biennale de Sharjah (2011). Elle a été directrice de la 1ere session de l’Académie Résidence RAW centre pour l’art, le savoir et la societe (Dakar 2016). Elle a été programmatrice des cycles de conférences et projections « Palestine : territoire, mémoire, projections » (Mucem, La compagnie lieu de création, Marseille, 2017). Elle a été co-commissaire, avec Kristine Khouri de l’exposition documentaire et archivale Past Disquiet qui a été présentée au MACBA (Barcelone 2015), à la Haus der Kulturen der Welt (Berlin, 2016), au Musée de la Solidarité Salvador Allende (Santiago, 2018), au Musée Sursock (Beyrouth, 2018), au Zeitz MoCA (Le Cap, 2023), au Palais de Tokyo (Paris, 2024) et à Framer Framed (Amsterdam, 2025). En 2026, elle a fait partie de l’équipe curatoriale, dirigée par Koyo Kouoh pour la 61e Biennale de Venise.Salti a dirigé la publication d’Insights into Syrian Cinema: Essays and Conversations with Filmmakers (2006, ArteEast et Rattapallax Press), de Beirut Bereft, The Architecture of the Forsaken and Map of the Derelict (Sharjah Art Foundation, 2010, en collaboration avec le photographe Ziad Antar) et de I Would Have Smiled: A Tribute to Myrtle Winter-Chaumeny, avec Issam Nassar, en 2010.

Performance de Mouna Ahizoune, When i was a child, i used to see my mother’s feet bare and cracked… 20min - en partenariat avec la Résidence Daret (Casablanca)Quand j'étais petite, je voyais les pieds nus et crevassés de ma mère, témoins d'histoires de sacrifice. Elle me demandait de les masser, mais j'avais peur de toucher sa douleur, peur des histoires que le sang pourrait révéler. Ses pieds portaient le poids du monde avec une patience immense, gravant l'amour dans chaque pas, dans chaque crevasse. Maintenant, en ce lieu, je tisse sa force dans mes mouvements, sa patience dans ma respiration. Quand je frappe le sol, je sens le pouls de la terre sous moi, le rythme de la douleur et de l'espoir résonnant à travers le sol, chaque impact faisant écho au poids de l'histoire. Mes pieds frappent le sol comme un acte de mémoire, chaque battement résonnant du souvenir de ceux qui nous ont précédés, de leurs luttes, de leurs sacrifices. En cet instant, je deviens elle. Je deviens chaque corps tragique, traversant la douleur, embrassant les blessures et trouvant la grâce dans la souffrance. Son histoire, notre histoire, est gravée dans chaque pas, un témoignage de résilience, d'un amour qui demeure inébranlable face aux épreuves. Mouna Ahizoune (1995, Moyen-Atlas) Mouna Ahizoune développe une pratique sensible ancrée dans le langage corporel et les matériaux naturels pour examiner la condition humaine, et notamment la sienne, à travers la performance, la vidéo, la photographie ou la sculpture. Son travail explore les liens entre le corps, l’espace et la douleur.Elle accorde une attention particulière à la résistance et à l’endurance des corps, dans une tentative de rendre visible cette lutte silencieuse. Diplômée de l’Institut National des Beaux-Arts de Tétouan, elle a participé aux résidences Tassarout à Rabat, Le 18 à Marrakech et l’Appartement 22 en 2023, et récemment Daret à Casablanca. Performance d'Oumayma Abouzid Souali 20min - en partenariat avec la Résidence Daret (Casablanca) Oumayma Abouzid Souali Oumayma vient des montagnes du Rif,un territoire qui nourrit profondément son travail d’artiste. À travers ses créations, elle s’attache à explorer les traces du passé, les mémoires qui se taisent, et les histoires qu’on oublie parfois de raconter. Elle se voit comme une voyageuse,une femme qui traverse le temps et les lieux, porteuse de blessures, mais aussi d’espoirs et de renaissances.Diplômée de l’Institut National des Beaux-Arts de Tétouan, Oumayma cherche à créer des ponts entre ce qui est intime et ce qui est universel, en mêlant le corps, la voix, l’image et la mémoire. Elle a été en résidence artistique, notamment à Daret Résidence à Casablanca et à Rif Résidence de L’Appartement 22. Elle a également exposé son travail dans des expositions collectives : à L’Appartement22, ArtisteBookFair au Caire et d’autres. Projection-discussion avec Jihan El-Tahri et Rami Nihawi Les rives de la Méditerranée constituent à la fois un espace de rassemblement et de division. Pourtant, les enjeux, les perspectives et les thèmes communs à explorer y sont nombreux. À l’heure où le monde traverse des crises multiples, marquées par des situations de génocide et une profonde instabilité économique, les œuvres de Rami Nihawi et Jihan El Tahri nous invitent à interroger trois notions essentielles, toujours au cœur des dynamiques de la région : l’image, la solidarité et le déplacement. Complexifying Restitution: Notes to Self de Jihan El Tahri – 18 minutes Yamo de Rami Nihawi – 65 minutes Cuba, an African Odyssey de Jihan El-Tahri – 58 minutes Jihan El Tahri, Complexifying Restitution: Notes to Self, 2022, 18' Dans COMPLEXIFYING RESTITUTION (2022), El-Tahri invite le spectateur à pénétrer dans l'espace-temps d'un projet qui réunit archivistes, artistes et cinéastes afin d'interpréter, de repenser et de se réapproprier les archives. L'objectif de cette démarche n'est pas simplement de se plonger dans l'histoire et la mémoire pour regarder en arrière, mais plutôt d'utiliser ce savoir passé – les fragments qui peuvent être exhumés – comme un outil pour réinterpréter notre réalité actuelle et imaginer un avenir alternatif. (Biennale de Berlin) Rami Nihawi, Yamo, 2011, 65’ « C’est un film qui parle d’aujourd’hui, des choix qu’on fait dans la vie. Un film sur le temps qui s’enfuit à toute vitesse et le temps suspendu. Ce n’est pas un portrait de ma mère, ni de ma mémoire, ni de ma maison, ni de ma famille.Yamo est le mélange de tous ces éléments qui nous amène vers un dialogue amputé entre deux générations. Chacun sur un côté de l’histoire de cette région. C’est un dialogue sur les rêves, les échecs, le présent et le futur.Je porte le poids de ma génération, Je porte le poids de l’échec de mes parents. J’ai peur de leur ressembler. » R.N. Jihan El Tahri, Cuba, an African Odyssey, 2006, 58’ Les rives de la Méditerranée constituent à la fois un espace de rassemblement et de division. Pourtant, les enjeux, les perspectives et les thèmes communs à explorer y sont nombreux. À l’heure où le monde traverse des crises multiples, marquées par des situations de génocide et une profonde instabilité économique, les œuvres de Rami Nihawi et Jihan El Tahri nous invitent à interroger trois notions essentielles, toujours au cœur des dynamiques de la région : l’image, la solidarité et le déplacement. Jihan El Tahri Jihan El Tahri est une réalisatrice, écrivaine, artiste contemporaine et productrice Franco-Égyptienne. En 2017, Elle fut invitée à se joindre l’Académie des Arts et des Sciences (Les Oscars). Elle continue à jouer le rôle de mentor au ‘Documentary Campus’ en Allemagne et au Ouaga Lab au Burkina Faso. En tant qu’artiste, elle a récemment participé à des expositions en France (Centre Pompidou), Allemagne (HKW et Gallery IFA), Norvège (Musée National), Mexique (San Ildefonso), et en Pologne (Musée d’Art Moderne) aux côtés d’artistes tels que John Akomfrah, The Otalith Group et Kader Attia. El-Tahri à commencé sa carrière en tant que Correspondante Internationale, couvranant la politique du Moyen-Orient. En 1990, elle commença à réaliser des documentaires pour la BBC, PBS et Arte ainsi que d’autres chaînes de télévision internationales. Elle fut récompensé pour nombreux de ses documentaires, tel que ‘Nasser,’ dans la sélection officielle du Festival International de Film de Toronto, ‘Behind the Rainbow,’ ‘Cuba, une Odyssée Africaine’ et ‘House of Saud,’ qui fut nominé pour un Emmy.Ses publications comprennent ‘Les Septs Vies de Yasser Arafat’ (Grasset) et ‘Israël et les Arabes: La Guerre de 50 ans’ (Penguin). El-Tahri participe à de nombreuses associations et institutions dédiées au Cinema Africain. Elle fut Trésorière de la Guilde de Réalisateurs Africains de la Diaspora, Conseillère pour le programme Africa First de Focus Features et Secrétaire Régionale de la Fédération de Cinéma pan-Africain (FEPACI). ### 
Rami Nihawi  
Rami Nihawi  est acteur, scénariste, monteur, réalisateur et producteur, né à Beyrouth. Il est impliqué dans de nombreux projets cinématographiques et artistiques, se concentrant principalement sur les enjeux socio-politiques de la région levantine. En 2011, il a cofondé Sakado, une société de production indépendante servant de plateforme pour des créations cinématographiques. Il réalise  Yamo  en 2011 et travaille comme assistant à la réalisation sur plusieurs films, notamment  Tadmor  (2016) de Monika Borgmann et Lokman Slim. Il co-écrit plusieurs films dont  Ibrahim  (2019) avec la cinéaste palestinienne Lina Al Abed, et  R21 AKA Restoring Solidarity  (2022) avec le cinéaste palestinien Mohanad Yaqubi. Récemment installé à Marseille, il est engagé dans divers projets, y compris sa performance de cinéma étendu,  Life is but a Fantasy.

Valérie Jouve, (en sa présence) : Les sept villes palestiniennes, diaporama "Les images proposées par Google lorsque je tapais le mot de Palestine en 2008, ne concernait que les jets de pierres, les drapeaux, tout tournait autour du conflit. Le mot même disparaissait du vocabulaire de nos médias. J’ai réalisé plusieurs projets qui tentent de reconstruire nos imaginaires de ce pays. Ce diaporama a été conçu entre 2009 et 2013 comme preuve de l'existence d'un pays. Dans le monde entier, un territoire comportant 7 grandes villes est appelé pays. La Palestine est un cas très particulier que je tenais à souligner par ce travail, car physiquement parlant ce pays existe, je l’ai vu et reconnu ! La stratégie israélienne, très efficace, brouille les esprits comme j'ai pu m'en rendre compte en France où beaucoup me demandaient si Naplouse, par exemple, était en Palestine ou en Israël ! La confusion est depuis longtemps une arme de guerre d’Israël, ils ont beaucoup volé à la culture palestinienne pour construire leur propre identité. Il m'a semblé important et urgent de nourrir nos imaginaires de représentations du territoire et des identités très différentes de chacune des villes arabes, loin culturellement de son voisin israélien. Chaque ville est photographiée par une entrée de ville choisie et sa traversée. Ultérieurement j’ai intégré à ces portraits, quelques figures humaines qui habitent ces villes ; ils sont les accompagnateurs de notre regard. Gaza est la seule ville seulement suggéré par un texte car il était déjà important pour moi de souligner l’impossibilité d’y rentrer." V.J. Valérie Jouve Née en 1964, elle vit entre Paris et l'Aveyron. Pour Valerie Jouve, la question de l’espace est au cœur de son travail, qu’il soit présent à la prise de vue par la manipulation de son outil, la chambre photographique (qui permet les bascules ou décentrements) ou dans la construction des montages d’images dans ses expositions ou publications. Il s’agit de comprendre comment la figure, humaine ou autre, confère une présence à ce qui l’entoure et de ce fait vient influencer le lieu. Entre 2008 et 2018, Valérie Jouve a travaillé essentiellement en Palestine à tenter de faire reconnaitre ce pays par la culture, le quotidien, les villes ou le travail collectif : « Les cinq femmes du pays de la lune ». Suite à cette période, elle est partie des villes pour travailler dans les villages, nourrie des multitudes d’éléments du vivant. La dimension utopique est essentielle dans ce travail, la photographie peut nourrir nos imaginaires d'autres possibles. En lien et parallèlement à son activité artistique, elle enseigne à l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. Depuis 2017, elle collabore au sein d'un laboratoire de recherche en anthropologie urbaine, le LAA, LAVUE (UMR 7218 CNRS). Elle commence une pratique cinématographique dés 2001 avec le film « Grand Littoral », et poursuit une pratique mêlant photographie et séquences filmées depuis ce jour, considérant que ces deux outils d’enregistrement pouvaient travailler ensemble plutôt que de se tourner le dos. Taysir Batniji, projection Home Away from Home / The Journey, 2017, 22'36'' Porté par la French American Photography Commission, dans le cadre du programme « Immersion » de la Fondation d’entreprise Hermès et de Aperture Foundation à New-York, le projet Home Away From Home mêle une centaine de photographies, dessins et vidéos. Dans ce travail, Taysir Batniji est allé à la rencontre de ses cousins palestiniens qui ont choisi d’émigrer aux États-Unis dans les années 1960-1980, afin de finir leurs études et de s’installer. Une immigration économique motivée par l’attrait du « rêve américain ». Durant l’année 2017, l’artiste s’est donc « installé » quelques semaines chez ses « cousins d’Amérique », en Floride et en Californie, dans le but de comprendre ce qui les avait pousser à quitter Gaza, et de relever la manière dont chacun, comme lui, s’inscrivait entre deux cultures. Dans la vidéo The Journey, les mains de sa cousine Khadra (hors champ), font défiler, le temps d’un long plan séquence, une collection de vieilles photos souvenir qu’elle commente d’une voix calme et constante, retraçant l’histoire familiale, depuis ses jeunes années à Gaza jusqu’à Los Angeles. Taysir Batniji Né à Gaza en 1966, l'artiste palestinien Taysir Batniji est diplômé de l’Université Al-Najah de Naplouse (BA, 1992) et de l’ENSA de Bourges (DNSEP, 1997). Depuis, il vit et travaille entre la France et la Palestine. Dans cet entre-deux géographique et culturel, il a pu développer une pratique artistique pluridisciplinaire dont l'image, photo et vidéo, est au centre depuis 2001. L’œuvre de Taysir Batniji, teintée d’impermanence et de fragilité, puise son inspiration dans son histoire subjective, intime, mais aussi dans l’actualité et l’histoire. Par le biais d’une approche distanciée, il détourne, étire, joue avec son sujet initial, de manière à proposer un regard poétique, parfois grinçant, sur la réalité. Après sa première exposition personnelle à Paris en 2002, ses oeuvres ont été largement exposées en Europe et dans le monde, notamment aux Biennales de Venise, Istanbul, Berlin et Lyon ; au Centre Pompidou et au Jeu de Paume à Paris ; aux Rencontres d’Arles ; à Aperture à New-York ; au Martin-Gropius-Bau de Berlin ; à la Kunsthalle de Vienne ; au Witte de With de Rotterdam et au V&A Museum à Londres. Taysir Batniji a été lauréat du Abraaj Group Art Prize en 2012, et, en 2017, du programme « Immersion » de la Fondation Hermès en alliance avec la Fondation Aperture. Ses oeuvres font partie des collections de plusieurs institutions prestigieuses dont le Centre Pompidou, le Fnac, le CNAP, le Mac Val et le Musée National de l’Histoire de l’Immigration en France ; le V&A, l’Imperial War Museum et la Tate Modern à Londres ; IVAM en Espagne ; la Queensland Art Gallery en Australie ; Zayed National Museum à Abu Dhabi, le Mathaf à Doha et Art Jameel à Dubai… Plusieurs institutions lui ont consacré une exposition monographique d’envergure : les Rencontres d'Arles (2018), le Mac Val (2021), le Mathaf à Doha (2022) et le Palazzina dei Giardini ducale de Modène (2025-2026). Taysir Batniji est représenté par les galeries Sfeir-Semler (Hambourg, Beyrouth) et Éric Dupont (Paris).www.taysirbatniji.com Oraïb Toukan, projection de Offing, 2021, 28’ ""Nous avons ici une règle empirique : tant que vous pouvez encore entendre, vous êtes en vie." L’artiste Salman Nawati, basé à Gaza, prononce ces mots dans mon film. On dit que l’ouïe est la dernière faculté sensorielle qui subsiste à l’approche de la mort. Le film explore la manière de projeter des images sur les récits de souffrance d’autrui, en réfléchissant à l’espace où se rencontrent la parole et l’imagination. J’essaie de subvertir, plutôt que de représenter, l’horreur évoquée, en m’attachant plutôt à la tendresse et au quotidien, avec des images en gros plan, quelque peu foisonnantes, que j’ai tournées au fil des ans. Les supports temporels deviennent un outil magique pour cette subversion ; le simple fait d’inverser ou de modifier la vitesse des choses passées offre la possibilité de réécrire des événements horribles. Le mot "offing" désigne la partie de la mer la plus distante tout en restant visible. Nawati fait allusion à une illusion de liberté lorsqu’il regarde l’horizon de la mer Méditerranée depuis les côtes de Gaza, trouvant du réconfort dans l’absence de frontières dans son champ de vision, bien qu’il soit pris au piège sous le siège israélien, sans aucun endroit où fuir en temps de guerre."(O.T.) Oraib Toukan Oraib Toukan est née à Boston en 1977 et a grandi à Amman, en Jordanie où elle a vécu la majeure partie de sa vie. Elle a obtenu des diplômes du Bard College associant plusieurs disciplines comme Les Systèmes de Géographie et d'Information (MSc), les Beaux-arts et la photographie (MFA). En 2008, elle a reçu une bourse d’étude de deux ans de Jacob Javitz, ainsi que les bourses de production MAWRED, YATF, et AFAC. Grace à ce soutien, elle a pu travailler sur des projets tels que l’assignation d’Israël et du Liban pour vol de nourriture, une tentative de vendre des nations aux enchères à la place d’objets d'art ou de re-présenter les cadeaux diplomatiques des états arabes au peuple d’Israël. En 2009, elle a effectué deux résidences, à la Delfina de Londres et à l’Artist Alliance de New York City, ville où elle réside depuis 2007.

Enfermée dans un camp du simple fait de ses origines musulmanes, la narratrice se souvient. Enfant, elle a été marquée par l’abandon de sa langue maternelle, le berbère, qu’elle parlait peut-être en Algérie pays où elle est née. Sa famille part vivre en France. Dans ce pays l’école l'instruit d'une nouvelle histoire dont elle ne fait partie et dans une autre langue. Plus tard, elle devra apprendre à vivre avec une autre violence : le déni de la diversité de celui qu’on noie sous la figure générique du « Musulman ».Cette femme, devenue adulte, étouffe. Acculée, elle tente de fuir. Mais la convulsion islamique qui agite le monde la rattrape. « Musulman » tu as été ! « Musulman » tu es ! Elle se retrouve prisonnière. Dans ce texte inspiré et visionnaire, dont la première édition date de 2005, Zahia Rahmani témoigne de l’injonction qui nous est faite de coller à une identité prédéterminée et, plus largement, elle interroge la fabrication du paria. Ce texte n'est pas sans faire échos à la violence qui depuis plus de trois décennies s'est abattue sur une zone géographique du monde dans laquelle musulmans et arabes vivent. Et pour lesquels des forces convergentes et antagonistes confondent et inversent volontairement les termes arabe/musulman/arabe comme ne faisant qu'un. Ainsi toute diversité est en ces territoires effacées. Inaudible. Pour quelles raisons ?—Zahia Rahmani est écrivaine et historienne d’art de formation. Elle est l’auteur d’une trilogie Moze (2003), « Musulman » roman (2005) et France, récit d’une enfance (2006) aux  éditions Sabine Wespieser. Ce dernier a obtenu le Prix de la traduction pour sa version anglaise parue aux éditions Yale University Press en 2016. Elle a reçu l’Albertine Book Price en 2020 pour son roman "Muslim": A Novel paru aux éditions Deep Vellum, aux Etats-Unis. Responsable du domaine de recherche « Histoire de l’art mondialisée ? » à l’Institut national d’histoire de l’art (INHA), elle mène actuellement le programme "Paradis perdus " - Colonisation des paysages et destruction des éco-anthroposystèmes, dédié à l’émergence des corpus iconographiques et textuels des zones Caraïbes et Océanienne. En 2010 elle avait inauguré avec un collectif de jeunes chercheurs internationaux et commissaires d’expositions, le programme de rencontres « Observatoire : Global Art Prospective », et initié le projet de recherche et d’exposition dédiés à la généalogie, à l'émergence et au recensement de centaines de revues critiques et culturelles non-européennes. Ce dernier se présente à la fois sous la forme d’une base de données consacrée à l'indexation de quelques mille revues titrée, sismo.inha.fr et d’une installation audio-visuelle intitulée, Sismographie des luttes – Vers une histoire globale des revues critiques et culturelles. Elle a été présentée dans des lieux majeurs de l’art contemporain. Notamment en 2018 et 2019 à RAW Material Company, Dakar ;  Kulte – Center for Contemporary Art à Rabat, La Compagnie, Marseille et à la Gallatin Gallery, Université de New-York. En 2020 et 2021, aux Abattoirs de Toulouse ; à l’Alliance française de Cali en Colombie ; au Beirut Art Center au Liban et au Dakha Art Summit « Seismic Movements », au Bengladesh. En 2022 et 2023 au MNAM Centre Georges Pompidou à Paris, au Middelheim Museum à Anvers dans le cadre de l’exposition, « Congoville » et Carnegie Museum of Art de Pittsburg dans le cadre de la 58th Carnegie International. De 2024 à 2025 au Zeitz Mocaa, Cap Town, Afrique du Sud.Elle a initié en 2012, le programme de recherche et de rencontres, « Made in Algeria – Généalogie d’un territoire », consacré à l’invention cartographie et la captation coloniale qui a donné lieu en collaboration avec le Département des Cartes et Plans de la BNF, à un catalogue et une exposition d’envergure, au Mucem en 2016 avec un workshop à la Compagnie, Marseille.https://www.swediteur.com/auteur/zahia-rahmani/https://www.inha.fr/recherche/projets/histoire-art-mondialisee/paradis-perdus/https://www.inha.fr/recherche/projets/histoire-art-mondialisee/sismographie-luttes/https://www.inha.fr/recherche/projets/histoire-art-mondialisee/made-in-algeria/Jean Jacques Palix est compositeur, arrangeur, scénographe sonore pour des installations, collecteur et archiviste de musiques rares, chasseur de sons. À la suite de ses années de productions radiophoniques à France Culture puis à Radio Nova dont il fut un des fondateurs en 81, il crée en 1985 sa structure indépendante Tapage Atypique, puis, en 1991, le label de disques Song Active, pour répondre à son désir d'un studio ouvert aux rencontres artistiques, musicales et sonores.Il compose les musiques pour de nombreux chorégraphes, ainsi que pour des films d’artistes et documentaires. En 2002, il réalise de nombreux films parmi lesquels ”Conférence sur rien” autour d’une lecture d’Eve Couturier, d’après ”Lecture on nothing” de John Cage. En 2007, il crée 16’33’’, 33 hommages de 30’’ à 33 compositeurs pour la galerie IN SITU/Fabienne Leclerc à Paris. En 2009, il réalise le film ”Ce disque est le même que l’autre” diffusé dans des festivals internationaux (Rotterdam International Film Festival, Tribeca Film Festival …). En 2010, il est co-commissaire de l’exposition ”Cornelius Cardew et la liberté de l’écoute” (Brétigny sur Orge, Stuttgart, Culturgest Porto) et dirige les performances sonores de ”The living Currency” à Varsovie et à la biennale de Berlin. En 2013, il compose le Hörspiel ”TPNY Memory” sur un livret de Leyli Daryoush (diffusion France Culture). Il a collaboré avec Bruce Russell, Jean François Pauvros, David Linton, David Coulter, Alastair Galbraith, Vincent Segal, Paul Collins…http://jjpalix.free.fr/bio-Palix.htmhttp://jjpalix.free.fr/news.htmhttps://beyond-the-coda.blogspot.com